UNA MAÑANA DE PELÍCULA
El sábado 28 de octubre se realizó en el Instituto Superior de Formación Docente y Técnica Nº 15, un nuevo encuentro organizado por el Polo de Desarrollo Social de la institución.
En esta oportunidad, el tema tratado fue “Educación audiovisual: introducción al lenguaje cinematográfico”, dictado por el Licenciado en Ciencias de la Comunicación, Leonardo Maldonado.
Comenzó la charla hablando sobre los inicios del cine, y al mismo tiempo presentó algunas películas acerca de las cuales hizo un análisis. Mostró las primeras “vistas cinematográficas”, luego llamadas “cintas” y finalmente películas. Algunas de ellas son: “Salida de la fabrica Lumière”, “ La merienda del bebé”, “El regador regado” (considerado el primer gag en la historia del cine), “Partida de naipes” (primera publicidad de vino), “La llegada del tren a la estación de la ciutat” (primer filme con cámara fija a 45º que daba la sensación de que el tren iba a atropellar al público provocando que el mismo se asustara), “Demolición de un muro” (antecedente más antiguo del video clip, ya que la cinta se enganchó y empezó a proyectarse al revés), “Niños” (primer película de suspenso), “La partida de la barca” (una barca saliendo del puerto; lo sorprendente de este filme fue que la gente volvía a hacer la cola para verla nuevamente porque era la primera vez que se mostraba el mar y muchos no lo conocían), y “Video danza” (primera cinta coloreada a mano). Todas estas son películas de los hermanos Lumière, creadores del cinematógrafo en 1895. Recordemos que las primeras cintas duraban alrededor de 50 y 60 segundos, no había montaje ni actores profesionales, las imágenes eran en blanco y negro silente, y la “filmación” era manual ya que recién se implementaría el motor en 1924.
Más adelante se practicaría la puesta en escena con actores profesionales, decoraciones pintadas y el primer “estudio cinematográfico” construido en París: una casa totalmente de vidrio para poder filmar con luz natural ya que de otra forma era imposible. Estas fueron ideas de George Meliès que permitieron el paso del “cinematógrafo” a la “cinematografía” ya que las películas contaban una pequeña historia, y se incluían efectos, sensualidad, movimientos de decorados, etc.
En 1917 aparecieron las primeras películas de Chaplin, que fueron totalmente humorísticas, con plano general y cámara quieta a 90º. Los filmes siguieron siendo en blanco y negro silente hasta 1927, cuando se implementó el sonido con la película “El cantor de jazz”, de Alan Croslaund en Estados Unidos. El cambio de cine mudo a cine sonoro produjo una gran transformación social en referencia al comportamiento, ya que la gente que asistía a los lugares de proyección debió acostumbrarse a hacer silencio dentro de la sala.
En 1960 apareció una película muy llamativa para la época, “Psicosis”: en la escena más reconocida, una mujer se está bañando hasta que llega alguien y la mata a puñaladas. Lo sorprendente es que en el poco tiempo que dura la escena se utilizaron todos los ángulos y movimientos de cámara que puedan existir. Maldonado contó que se tardó una semana en hacerla.
El coordinador también abordó el tema de “cine industria”, formato que predomina en la actualidad, y especialmente se refirió al cine de Hollywood: historia sólida, personajes bien definidos (bueno o malo), dos tramas (una historia de amor y un contexto). En todas las películas hay “un conflicto, un primer plot-point (punto de giro), un segundo plot-point, un clímax y un desenlace”. Remarcó también otra de las características del cine Hollywoodense: la presentación del “Star System”, contexto previo a la aparición en escena de la estrella del filme.
Para concluir habló sobre cine arte o cine poesía explicando que en estas películas “no importa el argumento sino la forma”. Dio algunas muestras para explicar este fenómeno: “Gente que vuela en China”; “Hiroshima mon amour”, en la cual los actores miran a cámara para dar cuenta de que es una película y no la vida misma y además uno de los personajes le habla al público; “Alphavill”, una película de Jean Luc Godard, con el formato basado en la Nouvelle Vague de Francia.
El licenciado, que en unas semanas presentará su libro sobre crítica de cine, “Surgimiento y configuración de la crítica cinematográfica en la prensa argentina (1896-1920)”, dejó bien en claro su afinidad por el “cine arte”, ya que va más allá de lo común y siempre muestra algo distinto. Por el contrario, en el “cine comercial”, si bien cambian los personajes y los actores, entre otras cosas, las historias son todas parecidas por no decir iguales.
El encuentro se dio por finalizado con un gran reconocimiento del público hacia Leonardo Maldonado, quien permitió vivir a los participantes “una mañana de película”.
Analía Brum Bertolo
El sábado 28 de octubre se realizó en el Instituto Superior de Formación Docente y Técnica Nº 15, un nuevo encuentro organizado por el Polo de Desarrollo Social de la institución.
En esta oportunidad, el tema tratado fue “Educación audiovisual: introducción al lenguaje cinematográfico”, dictado por el Licenciado en Ciencias de la Comunicación, Leonardo Maldonado.
Comenzó la charla hablando sobre los inicios del cine, y al mismo tiempo presentó algunas películas acerca de las cuales hizo un análisis. Mostró las primeras “vistas cinematográficas”, luego llamadas “cintas” y finalmente películas. Algunas de ellas son: “Salida de la fabrica Lumière”, “ La merienda del bebé”, “El regador regado” (considerado el primer gag en la historia del cine), “Partida de naipes” (primera publicidad de vino), “La llegada del tren a la estación de la ciutat” (primer filme con cámara fija a 45º que daba la sensación de que el tren iba a atropellar al público provocando que el mismo se asustara), “Demolición de un muro” (antecedente más antiguo del video clip, ya que la cinta se enganchó y empezó a proyectarse al revés), “Niños” (primer película de suspenso), “La partida de la barca” (una barca saliendo del puerto; lo sorprendente de este filme fue que la gente volvía a hacer la cola para verla nuevamente porque era la primera vez que se mostraba el mar y muchos no lo conocían), y “Video danza” (primera cinta coloreada a mano). Todas estas son películas de los hermanos Lumière, creadores del cinematógrafo en 1895. Recordemos que las primeras cintas duraban alrededor de 50 y 60 segundos, no había montaje ni actores profesionales, las imágenes eran en blanco y negro silente, y la “filmación” era manual ya que recién se implementaría el motor en 1924.
Más adelante se practicaría la puesta en escena con actores profesionales, decoraciones pintadas y el primer “estudio cinematográfico” construido en París: una casa totalmente de vidrio para poder filmar con luz natural ya que de otra forma era imposible. Estas fueron ideas de George Meliès que permitieron el paso del “cinematógrafo” a la “cinematografía” ya que las películas contaban una pequeña historia, y se incluían efectos, sensualidad, movimientos de decorados, etc.
En 1917 aparecieron las primeras películas de Chaplin, que fueron totalmente humorísticas, con plano general y cámara quieta a 90º. Los filmes siguieron siendo en blanco y negro silente hasta 1927, cuando se implementó el sonido con la película “El cantor de jazz”, de Alan Croslaund en Estados Unidos. El cambio de cine mudo a cine sonoro produjo una gran transformación social en referencia al comportamiento, ya que la gente que asistía a los lugares de proyección debió acostumbrarse a hacer silencio dentro de la sala.
En 1960 apareció una película muy llamativa para la época, “Psicosis”: en la escena más reconocida, una mujer se está bañando hasta que llega alguien y la mata a puñaladas. Lo sorprendente es que en el poco tiempo que dura la escena se utilizaron todos los ángulos y movimientos de cámara que puedan existir. Maldonado contó que se tardó una semana en hacerla.
El coordinador también abordó el tema de “cine industria”, formato que predomina en la actualidad, y especialmente se refirió al cine de Hollywood: historia sólida, personajes bien definidos (bueno o malo), dos tramas (una historia de amor y un contexto). En todas las películas hay “un conflicto, un primer plot-point (punto de giro), un segundo plot-point, un clímax y un desenlace”. Remarcó también otra de las características del cine Hollywoodense: la presentación del “Star System”, contexto previo a la aparición en escena de la estrella del filme.
Para concluir habló sobre cine arte o cine poesía explicando que en estas películas “no importa el argumento sino la forma”. Dio algunas muestras para explicar este fenómeno: “Gente que vuela en China”; “Hiroshima mon amour”, en la cual los actores miran a cámara para dar cuenta de que es una película y no la vida misma y además uno de los personajes le habla al público; “Alphavill”, una película de Jean Luc Godard, con el formato basado en la Nouvelle Vague de Francia.
El licenciado, que en unas semanas presentará su libro sobre crítica de cine, “Surgimiento y configuración de la crítica cinematográfica en la prensa argentina (1896-1920)”, dejó bien en claro su afinidad por el “cine arte”, ya que va más allá de lo común y siempre muestra algo distinto. Por el contrario, en el “cine comercial”, si bien cambian los personajes y los actores, entre otras cosas, las historias son todas parecidas por no decir iguales.
El encuentro se dio por finalizado con un gran reconocimiento del público hacia Leonardo Maldonado, quien permitió vivir a los participantes “una mañana de película”.
Analía Brum Bertolo
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